Eine Hommage an Emily Mason

May 31, 2023

David Ebony

Emily Mason, bekannt als vollendete Koloristin für ihre farbenfrohen abstrakten Gemälde, starb am 10. Dezember 2019 im Alter von 87 Jahren in ihrem Haus in Vermont nach einem langen Kampf gegen den Krebs. Der 10. Dezember ist der Geburtstag ihrer Lieblingsdichterin Emily Dickinson, und Mason betrachtete jedes ihrer Gemälde als visuelles Gedicht, das auf die ausdrucksstarke und – ich wage es zu sagen – spirituelle Qualität abzielte, die sie in Dickinsons Versen fand. Mason würde sich jedoch niemals solche hohen Ambitionen für ihre Kunst eingestehen. Obwohl ihr künstlerischer Ehrgeiz für mich und andere um sie herum offensichtlich war, behielt Mason in der Leidenschaft für die Malerei, die sie ausstrahlte, und dem monumentalen Gesamtwerk, das sie hervorbrachte, stets ein durchweg aufrichtiges Maß an Bescheidenheit bei – das manchmal an ungerechtfertigter Selbstverleugnung grenzte – über ihre Ziele und Erfolge.

Dabei ging es nicht nur um ihren Kampf als Künstlerin im männerdominierten Milieu der Kunstwelt der Mitte des 20. Jahrhunderts, sondern auch um die Tatsache, dass sie ihr ganzes Leben lang von beeindruckenden Künstlerpersönlichkeiten umgeben war. Wir haben jahrelang zusammen an zwei Büchern gearbeitet, die ihr Leben und ihre Kunst erforschen: „Emily Mason: The Fifth Element“ (2006) für den legendären Kunstbuchverleger George Braziller; und Emily Mason: The Light in Spring (2015), veröffentlicht von der University Press of New England. Beides waren freudige Projekte, und es war erfreulich zu sehen, wie sie im Prozess der Auseinandersetzung mit ihrem Leben und der Reflexion über ihre lange Karriere ihre Selbstzweifel einigermaßen überwinden und ein neues Maß an Selbstvertrauen gewinnen konnte arbeiten. Bei der Durchsicht ihrer Archive war sie stets voller Witz und Humor. Sie machte sich oft über mich lustig und sagte, ich wollte sie dazu bringen, „ihr eigenes Horn zu betätigen“.

Mason wurde am 12. Januar 1932 in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Ihre Mutter war eine Pionierin der abstrakten Malerin Alice Trumbull Mason, eine Nachfahrin von John Trumbull, einem berühmten Porträtmaler des 19. Jahrhunderts. Ihr Vater, Warwood Edwin Mason, war Kapitän einer Handelsschifffahrtsgesellschaft und oft auf See unterwegs. Emily wuchs daher in einem mehr oder weniger matriarchalischen Haushalt auf, was sie in den Kreis der Avantgarde-Künstler um ihre Mutter brachte, eine Mitbegründerin der Gruppe American Abstract Artists (AAA). Emily erinnerte sich, dass Piet Mondrian zum Mittagessen vorbeikommen würde. Josef Albers und Ad Reinhardt waren häufige Besucher und Milton Avery kümmerte sich um sie. Als Heranwachsende während des Zweiten Weltkriegs beobachtete sie Joan Miró beim Malen in einem Atelier neben dem ihrer Mutter, das er während der Kriegsjahre gemietet hatte.

1950 erhielt Emily ein Stipendium für das Bennington College, wo sie bei Paul Feeley und Dan Shapiro studierte. Ein Fulbright-Stipendium aus dem Jahr 1956, das ihr ein Studium in Venedig ermöglichte, weckte eine lebenslange Liebe zu Italien, das sie anschließend fast jedes Jahr für längere Aufenthalte besuchte. Sie verfügte über umfassende Kenntnisse der Kunst der italienischen Renaissance und diskutierte in unseren Gesprächen beispielsweise lieber über die Farben und Linien, die frühe Größen wie Cimabue, Giotto und Duccio verwendeten, als über einige der Themen der zeitgenössischen Kunst, mit denen ich mich beschäftigte um sie zu lenken.

Während ihres Auslandsaufenthalts im Jahr 1957 heiratete sie den Maler Wolf Kahn, den sie zuvor in New York kennengelernt hatte. Das Paar gründete eine Familie und blieb für den Rest ihres Lebens zusammen. 1959 trat sie der Area Gallery in der 10th Street in New York bei und veranstaltete dort 1960 ihre erste Einzelausstellung. Mason verfolgte schon früh in ihrer Karriere ihre eigene einzigartige künstlerische Vision. Im Gegensatz zu den geometrischen, scharfkantigen Kompositionen ihrer Mutter und den ausdrucksstarken, romantischen und farbenfrohen Landschaftsbildern ihres Mannes entwickelte sie stets eine unverwechselbare Form der intuitiven, gestischen Abstraktion mit lebendigen Farbschichten und bravouröser Pinselführung sowie unbestimmten Güssen Sie nutzt das Element des Zufalls in ihrem Prozess.

Masons Werk erscheint oft als Brücke zwischen den Abstrakten Expressionisten – von denen sie viele persönlich kannte – und Farbfeldmalern wie Helen Frankenthaler und Morris Louis, obwohl ihr Werk nie bequem in kunsthistorische Etiketten passt. Mason glaubte voll und ganz an die transzendentalen Möglichkeiten der abstrakten Malerei. Sie liebte Experimente mit analogen Farben und hatte eine Vorliebe für leuchtende Rot-, Orange- und Gelbtöne, die hier und da oft durch einen Hauch von Blau oder Grün unterbrochen wurden. Die strukturellen Nuancen, die sie durch die Schichtung der Pigmente erzielt, und die unerwartete Intensität und Leuchtkraft ihrer Farbe führen den Betrachter unweigerlich an einen meditativen Ort, in eine jenseitige Welt. Sie würde jedoch stets bestreiten, den Betrachter in irgendeiner Weise zu leiten oder zu manipulieren. Ihre Bilder mögen ein solches Ziel suggerieren, aber dorthin muss man alleine gelangen.

Nari-Bezirk

Ich traf Emily Mason zum ersten Mal, als ich ein junger Student am Hunter College war. Ich war in ihrem Malkurs für Anfänger eingeschrieben und war mir nicht ganz sicher, ob ich Künstlerin werden wollte. Als ich sie in diesem Moment meines Lebens traf, veränderte sich alles. Emily ermutigte ihre Schüler immer zum Experimentieren; und sie brachte oft Materialien mit, mit denen wir arbeiten konnten. Ihr Erfolgskriterium bestand nicht nur darin, Kunst zu machen, sondern auch darin, Ihnen dabei zu helfen, das zu finden, was für Sie funktioniert. Ihre Lehrmethode war grundlegend von Empathie geprägt.

Ich erinnere mich, dass ich zu spät zum Unterricht kam, weil ich als Wachmann in der Nachtschicht angestellt war und tagsüber vor dem Unterricht oft in der Hunter-Bibliothek ein Nickerchen machte und ein paar Mal verschlafen habe. Anstelle der üblichen Zurechtweisung der Lehrer fragte mich Emily, wo ich geschlafen habe, und bot mir an, mich abzuholen oder jemanden zu schicken, der mich weckt. Ich war von ihrer pragmatischen Großzügigkeit überrascht und motivierte mich, nie wieder zu spät zu ihrem Unterricht zu kommen. Ästhetische Entscheidungen mit emotionaler Kraft zu treffen und gleichzeitig ein Licht für andere zu erstrahlen, war Teil von Emilys selbstbewusster Strenge, und dieser humanistische Ansatz beflügelte zweifellos ihre bemerkenswerte Vision.

Ein Teil von Emilys Reise als Künstlerin bestand darin, anderen dabei zu helfen, ihren Weg zu finden, indem sie mit gutem Beispiel vorangeht, aber auch bei Bedarf hilft. Im Laufe der Jahre wurde Emily nicht nur eine Mentorin, sondern auch eine Freundin. Noch kürzlich, bei unserem letzten Treffen, neckte sie mich schnell damit, wie sie sich an meinem Hochzeitstag darüber freute, dass mein Onkel Felix sich mehr auf die Temperatur der Curryziege als auf den angegebenen Anlass konzentrierte. Ich werde ihren Witz, ihren Humor, ihre Stärke und ihre unerschütterliche Liebe sicherlich vermissen.

Sanford Wurmfeld

Emily Mason seit über 50 Jahren zu kennen, war ein wunderbares Geschenk für mich. Zusammen mit ihrem Mann Wolf Kahn war sie in erster Linie eine freundliche Mentorin, die mich beide, als wir uns zum ersten Mal in Rom trafen, in die Möglichkeiten einführten, die ein engagierter und suchender Künstler sucht. Emily war eine lebenslange Freundin, deren Kunst es mir immer wieder angetan hat, sie kennenzulernen. Ihre Arbeitsmethodik, die auf jahrelanger, sich ständig erweiternder visueller Erfahrung und Kenntnissen der Kunstgeschichte basiert, ermöglichte es ihr, sich einer Oberfläche auf höchst spontane Weise zu nähern und sich dann auf ihre Reaktionen auf die Farbe zu verlassen, die sie zuerst aufgetragen hatte, um letztendlich Erstaunliches zu schaffen Werke – Gemälde, die auf den Betrachter wie von Zauberhand geschaffen wirkten. Viele Jahre lang waren wir Kollegen am Hunter College in New York, wo Emily ihre Leidenschaft für die Malerei auf intelligenteste und fördernde Weise weitergab und Generationen dankbarer und bewundernder Studenten hervorbrachte – von denen einige selbst hervorragende Künstler wurden. Aufgrund ihrer Lehrtätigkeit, ihrer Philanthropie und vor allem ihrer Kunst haben wir das Privileg, kontinuierlich von Emilys außergewöhnlichem Erbe beeinflusst zu werden. Ohne sie ist unsere Welt ein viel weniger schöner, magischer und freundlicher Ort.

Steven Rose

Einen Monat nach dem Tod unserer Freundin Emily Mason schrieb ich an meinen einjährigen Lennox:

Lieber Lennox,

Wir haben diesen Dezember einen schönen Funken verloren. Ich gehe davon aus, dass Sie es wussten. Du hast bei der Beerdigung unkontrolliert geweint, was du nie tust. Ich gehe davon aus, dass Sie gespürt haben, wie wir alle trauern, den unermesslichen Verlust und vielleicht auch das erhabene Geschenk und die Verantwortung, die übertragen wurden. Ich denke gerne, dass sie dir das Sehen und Staunen beigebracht hat. Als sich Ihre Augen gerade erst nach einigen Wochen dieses Lebens bildeten, stellte ich Ihnen jedes Gemälde in unserem Haus vor, so wie ich Ihnen den Blick auf die Lindenbäume und den Himmel vor unserem Wohnzimmerfenster vorstellte. Und Sie reagierten mit nicht weniger Ehrfurcht. Schließlich verwandelten sich Ihre winzigen Kopfbewegungen in hörbares Keuchen, das uns alle zum Kichern brachte.

Später, als du alleine kriechen konntest, habe ich dich in ihrem Atelier auf den Boden gesetzt, umgeben von Emilys hoch aufragenden, vibrierenden Gemälden, und du bist wie ein 20-Pfund-Stier auf sie losgegangen, hast gelächelt und mit dem Finger gezeigt. Emily schaute dir in die Augen, und als sie zurückblickte, war sie wie ein Seelenverwandter, ein Geist voller kompromissloser Liebe zum Leben, einer unstillbaren Neugier auf alles, was noch nicht erprobt war, und ein wenig Unfug. Sie hat dir den Staffelstab übergeben. Tragen Sie es gut. Du wirst die sexy, unanständigen Dinge annehmen, über eine sanfte, aber ordentliche Rippe lachen und ein gutes Gefühl der Rebellion hegen.

Emily war so begeistert von der Rebellion; Beweisstück A, ihr 62-jähriger Ehemann Wolf Kahn. Exponat B bis Z: jede einzelne kühne Bewegung in jedem Gemälde, Öl auf Papier und Druck, die sie jemals gemacht hat. Wolf sagte einmal, dass Emily malte, während ein Kind singt, ohne Vorbehalte oder Pläne. Wenn ich Ihre ersten Schritte beobachte, möchte ich hinzufügen, dass Emily gelebt (und gemalt) hat, als ein Kind laufen lernt, mit Entschlossenheit, Hingabe und absoluter Freude an der Wiederholung. Ihre kleinen Weisheiten. Kleine innere Aufstände. Reiner Idealismus:

„Schaffen Sie den Verstand aus dem Weg.“

„Lass das Gemälde sprechen.“

„Wenn Sie zu sehr an einem Teil hängen, liegt das daran, dass Sie etwas anderes vernachlässigen.“

„Lassen Sie ihm mehr Zeit.“

Das Ergebnis: jede Menge engagierter harter Arbeit. Habe ich schon erwähnt, dass Emily sich nie einen Tag frei genommen hat?

Gegen Ende ihres Lebens war sie freier und mutiger als je zuvor. Die Kompositionen waren so dünn, dass das Pigment manchmal nur die Zähne der Leinwand bestäubte, was darauf hindeutete, dass es in der Komposition vorhanden war. Sie ließ es einfach liegen, weil das Gefühl in ihrem Bauch ihr sagte, dass das Gemälde fertig sei.

Am Tag, nachdem Emily beschlossen hatte, auf weitere Behandlungen zu verzichten, bat sie um einen Ausflug nach Chinatown, bevor sie zu ihrer Farm in Vermont zurückkehrte. Es war August und vielleicht einer der heißesten Tage des Jahres, und ihr Körper war nach vier Monaten Chemotherapie müde. Trotzdem wollte sie das. Wir machten uns auf den Weg zur Canal Street, um die Obststände, das vegetarische Peking-Enten-Restaurant, die Märkte für getrocknete Pilze und den Congee-Laden zu besuchen. Sie konnte zu diesem Zeitpunkt nicht viel essen, war aber hungrig. Wir sammelten. Gelbe und rote Drachenfrüchte, Litschis, zwei Mangosorten, die sie noch nie zuvor gesehen hat, seltsame Pflaumen, die in Sharpie als „italienische Trauben“ bezeichnet wurden, reifer Durian, Beutel mit getrocknetem Fisch und Pilzen und natürlich ein Foto von Ochsenpenis-Kräutern Suppe. Letzteres postete sie auf ihrer Instagram-Seite mit der Überschrift „Lunchtime“. Sie liebte es, ungezogen zu sein.

Jannis Stemmermann

1988 erhielt Emily von der Associated American Artist Gallery den Auftrag, eine Tiefdruckausgabe anzufertigen. Ich war Assistent von Catherine Mosley, der Meistergrafikerin von Robert Motherwell, die mit dem Projekt beauftragt wurde. Während des Plattenherstellungsprozesses war Emily mit ihren Korrekturabzügen unzufrieden. Aus eigenem Antrieb beschloss sie, mit einer wenig bekannten Technik von Joan Miró zu experimentieren: Carborundum-Granulat und Leim auf die Platte zu malen, um eine Matrix zu erzeugen. Die Technik gab ihr Flexibilität und erlaubte ihr, intuitiver zu arbeiten; ein malerischer Druck, der nach ihren eigenen Vorstellungen angefertigt wurde. Durch die enge Zusammenarbeit mit Emily, die ihr dabei half, die farbenfrohen Schleier zu schaffen, aus denen „Soft the Sun“ entstand, entstand unsere Freundschaft.

Nachdem wir „Soft the Sun“ herausgegeben hatten, waren Emily und ich von den Ergebnissen und dem Potenzial für das Carborundum-Aquatinta-Verfahren begeistert und setzten unsere Arbeit alleine fort. Fast jeden Freitag, von November bis Mai, tauchte Emily über 20 Jahre lang mit geflochtenen Zöpfen, einer Tasche mit frisch zubereiteten Tellern und einem Laib Brot vom Bauernmarkt an meiner Ateliertür auf. Das Druckstudio wäre mit Tinten und Stapeln von Drucken für sie bereit. Ich machte Tee, schnitt das Brot in Scheiben und toastete es, während wir uns unterhielten und sie es sich bequem machte. Manchmal kam sie mit einer Idee, die ihr kam, während sie mitten in der Nacht wach lag: Farbwahl für den Tag, codiert in den Farbtönen des Seidenrollkragenpullovers, des Kaschmirpullovers und der Zopfkrawatten, die sie trug. Mit Schürzen bemalten und wischten wir gemeinsam Teller ab. Ich bediente die Presse – Platten ausrichten, Druck einstellen, Papier einlegen, ankurbeln – Emily wartete auf das Geräusch der Platte, die durch die Presse lief, während sie über ihre nächsten Schritte nachdachte. Am Ende des Tages war die Studiowand mit frischen Abdrücken, Schichten neu hinzugefügter Farben und verschleierten Schichten über getrockneter Tinte aus den vergangenen Wochen oder Monaten bedeckt. Ein Abzug landete auf dem „fertigen“ Stapel, wenn sie das Gefühl hatte, dass nichts mehr hinzugefügt werden konnte.

Emily legte keinen Wert auf Eigenwerbung, sondern investierte in die Förderung von Künstlerkollegen. Emily war die Tochter der frühen abstrakten Malerin Alice Trumbull Mason und wuchs in New York City auf. Sie wusste immer genau, was es bedeutet, Künstlerin zu sein und sich in einer komplexen Stadt zurechtzufinden. Als wir uns trafen, hatte ich gerade mein Kunststudium abgeschlossen und lebte allein in Williamsburg, Brooklyn. Nachdem wir einige Jahre zusammengearbeitet hatten, kauften Emily und ich gemeinsam eine neue Druckmaschine von Charles Brand und richteten uns in meinem Studio in Brooklyn ein. Gleichzeitig ermutigte mich Emily, weiterhin meine eigenen Arbeiten zu machen. Durch ihre Beteiligung an der Gründung des Vermont Studio Center [in Johnson, Vermont] rekrutierte sie mich als Assistenzärztin; und dort begann meine eigene Arbeit zu blühen.

Peter Schlesinger und Eric Boman

Fast vierzig Jahre lang befand sich Emily Masons Studio direkt über unserem in einem ehemaligen Industrieviertel, wo unser Gebäude nach und nach eine Vielzahl kreativer Menschen anzog. Sie kaufte die gesamte 11. Etage und wollte sie zur Hälfte mit ihrem Mann Wolf Kahn als Atelier teilen. Wolf hatte kein Interesse an einer halben Etage und beschimpfte sie als Fehlinvestition. Emily würde Jahre später vor Freude kichern, als sich ihr Immobilien-Know-how als richtig erwies. Die südliche Hälfte ihres Stockwerks wurde stattdessen zu einem Gewächshaus voller Orchideen und anderer exotischer Pflanzen, die jede Saison per Lastwagen nach Vermont hin- und hertransportiert werden mussten.

Als einige der ersten Bewohner einer umgebauten Fabrik lernten wir uns durch Klempner- und C-of-O-Probleme kennen, die sich dann dem Klatsch über die exzentrischen Künstler im Gebäude zuwandten, zu denen auch die Textilkünstlerin Lenore Tawney gehörte, deren Weihrauch aufstieg das Gebäude und die feministische Künstlerin Hera.

Emily hatte eine gewisse Yankee-Präzision an sich und man spürte, dass sie eine ordentliche Farbpalette beibehielt, sei es bei Pigmenten oder Menschen. Dieser Geist hielt sie auch davon ab, ihre Heizkörper zu reparieren, und legte lieber eine flache Platte unter jedes Leck. Die Teller liefen unweigerlich über und das Wasser tropfte auf uns herab. Sie schaltete die störenden Heizkörper einen nach dem anderen aus, und jedes Mal wurde es kälter und kälter, während sie den immer zuvorkommenden Super-Agim bat, die Heizung aufzudrehen, sodass es allen anderen im Gebäude kochend heiß wurde. Schließlich siegte die Vernunft, die Heizkörper wurden repariert und alle hatten ihren Frieden.

Im Laufe der Jahre stellten wir fest, dass wir mit Emily eine Leidenschaft für Pflanzen und die Natur teilten; und wir entwickelten verschiedene Traditionen, wie den Austausch von Pflanzen aus unseren Gärten und den Besuch des jährlichen Pflanzenverkaufs im Brooklyn Botanical Garden im Frühjahr, wenn der Flieder blühte. Emily informierte uns über die Statur eines Tulpenbaumsetzlings, den wir für sie ausgegraben hatten. Jeden Herbst bekamen wir Gläser mit Marmelade und Gelee, die sie in Vermont hergestellt hatte. Eine weitere Tradition war eine Tasse Tee mit Erics hausgemachtem Kuchen in unserer Wohnung nach Emilys jährlicher Reise nach Venedig. Ein Jahr lang brachte sie uns Gondolierpantoffeln aus Samt in tollen Farben mit, die wir immer noch schätzen.

Lucius Wells

Während meiner ersten Jahre in New York waren Emily Mason und Wolf Kahn meine Familie. Ich besuchte oft ihre Wohnung in der 15. Straße und erfand vor dem Abendessen Märchen für ihre Töchter. Ich traf sie zum ersten Mal in Rom, bevor ich nach New York zog. Wir hatten Studios getauscht. Wolf trug bunte Krawatten und Pullover, die Kinder hatten Strickkleidung, alles von Emily, einer freundlichen, schönen und fürsorglichen Person. Sie war in der Lage, ihre immense Energie mit unaufdringlicher Anmut auszustrahlen, immer präzise und lächelnd, verletzlich und doch standhaft.

Die Farben, die ihre Familie trug, waren Farben, die von ihren Gemälden abgeleitet waren. Ihre schwungvollen Farbgesten würden eine nachdenkliche Struktur unterstützen, die sie schüchtern ausgedrückt oder zu sehr betont hätte. Die Übertreibung, die mit den meisten gestischen Gemälden einhergeht, würde niemals in ihr Werk eindringen. Weite Felder aus manchmal dünnen, manchmal etwas dickeren Farbschichten wechselten sich in Weisheit ab, wobei schnelle Kalligraphien und kleinere Pigmentknoten neue chromatische Gebiete schufen, die sich trafen oder überlappten.

Jede ihrer Arbeiten achtet auf jeden Modus und jede Stimmung und fesselt meinen Blick als etwas Unvermeidliches. In ihrer Arbeit scheint es, als ob ein bestimmtes Rot einfach dort platziert werden kann, wo es neben diesem bestimmten Blau liegt, und unter einem Orangeton verschmilzt, bevor es einen scharfen malvenfarbenen Widerspruch erreicht. Während mein Blick die Bilder abtastet, schwirrt eine enorme Vielfalt an Assoziationen in meinem Kopf herum, von Landschaften über Wolken bis hin zu Entitäten, die unsichtbare Existenzen widerspiegeln, bis hin zu Schwingungen, die meinen Blick durchdringen. Ich registriere sie erst, nachdem sie in mein eigenes Universum gefiltert wurden. Ich bin dankbar, dass mir nichts aufgedrängt wird – ihr Gemälde spornt mich jedes Mal an, es auf meine eigene Weise neu zu erfinden, wenn ich es betrachte.

Emilys Lächeln war offen und frisch, bereit für einen ahnungslosen Dialog. Die Art und Weise, wie sie Künstlerin, Frau, Ehefrau und Mutter sein konnte, hatte die Würde einer zutiefst zentrierten Person, stark genug, um sowohl unterstützend als auch unabhängig zu sein. Ein Anflug von Melancholie verlieh ihrer Großzügigkeit noch mehr Charme.

In New York brachten Emily und Wolf Susanna Tanger und mich, Neuankömmlinge, durch die Stadt und trafen die Leute, die sie kannten. An manchen Abenden trafen wir uns im Loft von Stan und Johanna VanderBeek. Ich erinnere mich an den Friseurstuhl, der den Wohnraum dominierte, während ich Filme schaute. Ein paar Mal kam Emilys Mutter, Alice Trumbull Mason, die wie ihre Tochter eine belastbare Künstlerin war, mit ihrem Kapitänsmann, Emilys Vater, in unser kleines Loft in der Avenue B und 6th Street.

Der moderne Maler, dem die unvorhersehbare Magie der Handmalerei am Herzen liegt, lebt ein Leben des Widerstands. Er/sie sieht sich zyklischen Entlassungen gegenüber, weil die Technik uralt ist. Aber noch schlimmer ist, dass er/sie jetzt auch von malerischen Konstrukteuren herausgefordert wird, deren Gemälde auf vorgefertigten Schemata basieren. Die Schwankungen unseres vergänglichen Geschmacks scheinen die Improvisationsmalerei ständig zu gefährden. Trotz allem arbeitete Emily ungehindert weiter und verfolgte ihre malerische Leidenschaft für unergründliche Sensibilität. Darüber hinaus musste sie sich auch mit den Schwierigkeiten auseinandersetzen, mit denen die Künstlerinnen ihrer Generation zu kämpfen hatten, da Männer, oft sogar ihre Partner, eine systematische Bevorzugung ihrer selbst förderten. Emily versuchte nie, etwas zu beweisen, und verharrte nie auf einer starren Position. Sie fliegt tief und weit wie der Vogel im I Ging.

Mit ihrem Tod wird eine zentrale Substanz meines Lebens im Mysterium der Zeit verankert. Viele sind die Freunde, die Künstler in meinem Alter verlieren, aber Emilys diskrete und monumentale Abwesenheit baut eine Mauer der Leere auf, an die ich mich nur schwer gewöhnen kann.

Carrie Moyer

Emily Masons Gemälde erinnern uns daran, dass Kunst sowohl für den Schöpfer als auch für das Publikum da ist. Ihre Freude an diesem Prozess ist spürbar, besonders für uns Malerkollegen, die sich vorstellen können, wie sie die Materialien lässig mit Pinsel oder Finger über die Oberfläche bewegt. Nichts ist kostbar. Ihre Bereitschaft, mit Ölfarbe und Gamsol zu experimentieren und zu spielen, führte immer wieder zu neuen Assoziationen, Gefühlen und Einsichten darüber, wie Farbe und Licht auf uns wirken könnten. Solche Entdeckungen werden zu einer Art Freude, die der Künstler und der Betrachter gleichermaßen teilen. Auch mir liegt es am Herzen, den Reiz optischer und körperlicher Empfindungen mit meinen Betrachtern zu teilen. Dies ist auf einmal schwer zu schaffen, ganz zu schweigen von einer Karriere, die sich über siebzig Jahre und Tausende von Leinwänden erstreckt. Brava Emily. Mögest du lange spielen!

Louis Newman

Ich traf Emily Mason zum ersten Mal in ihrem riesigen, lichtdurchfluteten Studio in Chelsea, das riesige Fenster mit Blick auf die Wolkenkratzer von Madison Square und Midtown hatte. Ihr Atelier war mit zahlreichen Gemälden und vielen Pflanzen gefüllt; Ich vermute, dass es mindestens genauso viele Pflanzen wie Gemälde gab. Der Raum war offen und fröhlich, und an den Wänden waren eine Reihe von Emilys farbenprächtigen, in Arbeit befindlichen Arbeiten ausgestellt. Es gab auch Werke verschiedener Künstler, zu denen Emily eine besondere Affinität hatte: Hans Hofmann, Marsden Hartley, Arshile Gorky und ein Aquarell mit Blumen von Charles Demuth. Obwohl das Studio groß war, fühlte es sich sehr persönlich und überraschend intim an, mit ein paar kleinen Unordnung und Regalen voller Kunstbücher. Ich erinnere mich vor allem daran, dass ich von ihren Gemälden umgeben war, die berauschende Farben und Licht ausstrahlten.

Wir schreiben das Jahr 1997. Mehrere Jahrzehnte lang besaß und betrieb ich die gleichnamigen Louis Newman Galleries in Beverly Hills. Jetzt war ich in New York City, Direktor einer neu eröffneten Galerie, MB Modern in der 57. Straße. In meinen Augen war ich am Knotenpunkt der Kunstwelt angekommen. Emily Mason sollte die allererste Künstlerin sein, deren Werke ich dort ausstellen würde. Am Ende der Eröffnungsnacht ihrer Einzelausstellung war jedes ihrer Werke verkauft. Dies war der Beginn einer Arbeitsbeziehung mit Emily und einer Freundschaft, die sich über mehr als zwei Jahrzehnte erstreckte.

Emily hat mir in vielerlei Hinsicht ihr New York nähergebracht. Wir knüpften oft Kontakte außerhalb der Galerie und des Ateliers. Emily und ihr Mann Wolf Kahn waren immer intellektuell neugierig und verbunden. Sie brachten mich in ihre Welt – von Einladungen zu Kammermusikkonzerten bis hin zu Vorträgen, Ausstellungen und Künstlergesprächen. Gelegentlich nahmen wir sogar an Gedenkgottesdiensten teil, um das Leben wichtiger Persönlichkeiten zu feiern, die sie kannten, die ich aber nie treffen durfte. Durch Emily wurde meine Welt erweitert und sehr bereichert.

Emily war immer erfrischend unkompliziert und ehrlich. Wir vertrauten einander und aufgrund ihrer Herangehensweise an das Leben und die Kunst würde die Zusammenarbeit mit ihr transformativ sein. Sie besaß einen neugierigen, umfassenden und völlig engagierten Geist und vermittelte diese Eigenschaften in ihren Gemälden. In Emilys Arbeit ging es nicht um Angst oder großes Drama. Sie war im Frieden mit ihrem Universum. Und in ihrer Arbeit herrschte immer eine Verspieltheit, die in der abstrakten Malerei selten zu finden ist – alles verstärkt durch Emilys bemerkenswertes Gespür für die emotionalen Möglichkeiten der Farbe.

Im Oktober 2015 wurde ich eingeladen, Direktorin für Modernismus und zeitgenössische Kunst an den LewAllen Galleries in Santa Fe zu werden, wo die „Emily-Mason-Tradition“ fortgeführt wird. Im Laufe meiner langjährigen Tätigkeit als Kunsthändler habe ich zahlreichen Künstlern bei ihrer Karriere geholfen. Emily war die einzige Künstlerin, die meiner Meinung nach meine Karriere gemacht hat. Durch Emily habe ich gelernt, die Bedürfnisse des Künstlers besser zu schätzen und auf diese Bedürfnisse einzugehen. Ich glaube, dass sie mir geholfen hat, ein rücksichtsvollerer und sensiblerer Händler zu werden. Den Anwesenden zufolge habe Emily an ihrem letzten Tag eines ihrer Lieblingsgedichte von Emily Dickinson vorgetragen. Das Gedicht fängt viel von der Magie der Künstlerin Emily und der Freude ein, die sie in ihr hinterlassen hat.

Sie fegt mit bunten Besen

Sie fegt mit bunten Besen – Und lässt die Fetzen zurück – Oh Hausfrau im Abendwesten – Komm zurück und entstaube den Teich!

Du hast einen lilafarbenen Ravelling fallen lassen – Du hast einen bernsteinfarbenen Faden fallen lassen – und jetzt hast du den ganzen Osten mit smaragdgrünen Blindgängern übersät!

Und immer noch hantiert sie mit ihren gefleckten Besen, und immer noch fliegen die Schürzen, bis die Besen sanft zu Sternen verblassen – und dann komme ich weg –

–Emily Dickinson

Eric Aho

Mit einer sehr dürftigen Vorstellung tauchte ich im Sommer 1989 in Emily Masons und Wolf Kahns auf einem Hügel gelegenem Bauernhaus in Vermont auf. Ich hatte gerade mein Kunststudium abgeschlossen, war gerade in Vermont gelandet und hatte mit dem Malen begonnen. Angeblich wollte ich Wolf treffen, aber es ist Emily, an die ich mich erinnere, wenn ich an diesen Tag denke. Als sie mit einer Schürze und den entwaffnenden Zöpfen im Haar aus ihrem Studio trat, begrüßte sie mich mit diesem riesigen Lächeln und einem herzlichen und einfachen Hallo. War ich die Zumutung, die ich befürchtet hatte? Ihr gut geübter Empfang – sicherlich gab es auch viele andere junge Künstler in Maine, Italien und New York, die auf ähnliche Weise in ihr Kunstcamp gewandert waren – war so aufrichtig, dass ich mich sofort wohl fühlte. Sie servierte Limonade, frisches Brot und ihre preisgekrönte Marmelade.

Während wir darauf warteten, dass Wolf zu uns kam, schauten wir über die Hügel und unterhielten uns schnell, bis wir ein gemeinsames Interesse am Sammeln von Pilzen entdeckten (eine finnische Sache für mich und für Emily das Symbol der Verbundenheit in der Natur). Wenn das Bauernhaus – seit Mitte des 19. Jahrhunderts unberührt, mit nur einem Holzofen zum Heizen – an die Vergangenheit erinnerte, war das Zusammensitzen mit Emily das Hier und Jetzt. Ihr ungebremstes Engagement betonte, dass es darauf ankam, in der Gegenwart zu sein. Schließlich erkannte ich, dass ihre lässige Leichtigkeit ein Markenzeichen ihrer Malerei und von Emily selbst war.

Aber ihre Malerei machte mich damals zunächst irgendwie unruhig. Mir wurde beigebracht, Schönheit gegenüber misstrauisch zu sein. Vielleicht waren ihre Bilder zu schön. Rückblickend denke ich, dass sie mir einfach weit voraus waren; Sie haben meine Vorurteile und Vorurteile auf die Probe gestellt. Angst und Schönheit sind der Kern des Erhabenen. Ich hatte noch nicht verstanden, dass Freude ein Thema der Malerei sein könnte – oder dass Freude und Leid manchmal sogar die gleiche Palette haben könnten.

Schon bald kapierte ich es. Emilys Ausstellung 1993 im nahegelegenen Marlboro College war ein Erlebnis für alle Sinne. Ihre einzigartige Sprache indirekter poetischer Aussagen, durch gegossene, verschüttete und gestrichene Farbe, geleitet von Aktion und absichtlichem Zufall, war aufregend und wies auf die menschliche Ebene hin, die ihre Malerei einnimmt. „My Pleasure“, ein Werk aus dieser Zeit, gibt einen prägenden, vielschichtigen Ton für Emilys Verspieltheit und Zielstrebigkeit an.

Emily stammte aus einer Künstlerfamilie und verfügte bereits über eine reife Erfahrung der Abstraktion. Denn ihre einfühlsamen Arbeiten offenbaren ihr ganz persönliches Umfeld aus Gewohnheiten, Sehnsüchten, Wünschen, Misserfolgen, Träumen und Hoffnungen. Wie wunderbar muss es sein, ohne Vortäuschung zu malen, sich der Tyrannei der Mode bewusst und doch frei von ihr zu sein. Wie wundervoll muss es gewesen sein, tief in die üppigen Ursprünge der Malerei einzutauchen, die eigenen Zweifel, den Kampf und die Aussicht auf Erfolg zu akzeptieren – und mit allen Sinnen zu arbeiten. Die Begegnung mit Emily Masons Gemälden war nicht unähnlich der Begegnung mit Emily selbst.

So hell und warm viele ihrer Werke auch sind, es geht dabei nicht unbedingt um Licht oder die Sonne. Als ich Emily besser kennenlernte, wurden ihre Bilder zu ihren Stellvertretern, die wie biolumineszierende optische Phosphene pulsierten, ähnlich dem wundersamen neuronalen Farbspiel, das wir sehen, wenn unsere Augen geschlossen sind. Die Glut ist innerlich – eher menschlich als phänomenologisch – skurrile, intensive, sinnliche und unvorhersehbare Meditationen über Erfahrungen, vorübergehende Gedanken, Stimmungen und Gefühlstemperaturen. Ihre Bilder sind trügerisch, nicht unähnlich ihren geliebten Pilzen – Zartheit und Gefahr verbergen sich in aller Deutlichkeit – und verbergen, wie Emilys zierliche Statur, mehr Kraft und Tiefe, als sie äußerlich erscheinen mögen. Selten sind ihre Bilder größer, als sie tragen könnte – ihre Armspanne verleiht ihnen immer einen menschlichen, persönlichen Maßstab. Schließlich muss eine Leinwand nicht drei Meter breit sein, wenn das Gefühl, das darauf ausgeübt wird, unermesslich ist.